18/5/12

LITERATURA LATINA: LA HISTORIOGRAFÍA ROMANA


La historiografía, en la Antigua Roma, se entendía como el estudio y análisis crítico de los hechos del pasado. Era un género literario, y por tanto poco riguroso, ya que siempre se valoraba la transmisión de enseñanzas morales y primaba el punto de vista del narrador sobre la objetividad de los hehos narrados. De hecho, este género era frecuentemente empleado como un arma política, pues podía servir para alabar a los amigos o difundir ideas en contra de los adversarios.

En cuanto a sus orígenes, este género proviene de la Antigua Grecia, al igual que otros muchos. Los maestros griegos Tucídides y Políbulo fueron los primeros en transmitir las normas y bases de éste género a los autores romanos.

A partir de la República, los primeros historiadores romanos empezaron a poner por escrito los hechos más relevantes que sucedían cada año, de modo que registraban en orden cronológico las guerras, epidemias, desfiles...

Pronto destacaron dos grandes historiadores; Julio César y Salustio. Julio César escribió las crónicas de sus campañas militares, destacando La Guerra de las Galias y La Guerra Civil como sus obras más importantes. En ellas, además de impulsar una gran labor propagandística de si mismo y de sus logros militares, pretendía justificar ante el pueblo romano las campañas bélicas que él protagonizaba y llevaba a cabo.

Salustio fue un historiador que redactó completas monografías de temas como La Guerra de Yugurta o La Conspiración de Catilina.

Finalmente, en la época del Imperio, la censura provocó que la historiografía se hiciese todavía más subjetiva. Destacan dos autores, que son Tito Livio y Tácito.

Tito Livio era un historiador que escribió Ab Urbe Condita, un relato de la historia de Roma desde sus orígenes hasta la época del Imperio, en la cual no falta la fantasía ni la subjetividad.

Por último, Tácito escribió Los Anales, recuperando el estilo metódico y riguroso de los primeros analistas romanos pero añadiendo además un estilo bastante pesimista.

LITERATURA LATINA: EL TEATRO ROMANO



El teatro romano, como muchos otros géneros literarios, tiene su origen en la Antigua Grecia. De él adopta numerosas características, que los romanos versionan demostrando una gran originalidad.
El teatro primitivo en Roma era muy solemne y de carácter religioso, casi como un ritual. Con el paso del tiempo acabó convirtiéndose en un espectáculo más, y se desarrolló en dos géneros diferentes: la tragedia y la comedia. Pese a que eran sustancialmente opuestas, ambas tenían una estructura establecida en cinco actos que se mantuvieron inmutables.

En primer lugar, la tragedia tenía un carácter solemne, empleaba un lenguaje muy culto y retórico y se caracterizaba además por finales muy dramáticos. Los más importantes autores de tragedia fueron Livio Andrónico, Ennio y Nevio, aunque más tarde se añadiría Séneca, que tiene un estilo muy complejo y emplea un lenguaje arcaizante. Sus obras eran para un público docto y erudito.
En cuanto a la comedia, ésta se caracterizaba por tener un carácter lúdico y festivo, cuyo objetivo era entretener al público. Empleaba pues un lenguaje particularmente coloquial e incluso grosero, y los finales eran felices. Los autores más destacados de la comedia romana fueron Plauto y Terencio.

Plauto, autor de Miles Gloriosus, se inspiraba en el teatro griego, pero buscaba siempre el humor ingenioso para divertir al público, por lo que desde siempre sus obras tuvieron mucho éxito.

Terencio, no obstante, pretendía entretener al público y al mismo tiempo transmitirle enseñanzas morales o moralejas, de modo que sus obras no resultaban tan cómicas como las de Plauto. A pesar de no gozar del mismo éxito que éste, siglos más tarde algunas de sus obras, como Andria, sirvieron de inspiración a muchos dramaturgos ingleses, como Shakespeare.

LITERATURA LATINA: POESÍA ÉPICA


La poesía épica tiene sus orígenes en la Antigua Roma, como tantos otros géneros literarios trabajados por los romanos. En sus orígenes, estos poemas se transmitían oralmente, aunque pronto empezaron a ponerse por escrito, siendo La Odisea y La Ilíada del griego Homero los primeros. Ya en Roma, este género se concebía como la narración de hazañas y aventuras de un héroe al que se le encomendaba una misión muy difícil. Entonces, el protagonista se encomendaba a los dioses para pedirles ayuda, y una vez éstos se la concedían, se sucedía una narración completa de sus aventuras, empleando siempre un lenguaje culto y muy cuidado.
De la primera poesía épica escrita en Roma destacaron Livio Andrónico, Ennio, o Nevio, aunque los autores realmente importantes son los del Imperio, Virgilio y Ovidio.

Virgilio fue autor de La Eneida, un poema épico que narra las hazañas y peripecias del héroe troyano Eneas – de ahí el título de la obra – que tras huir de Troya y pedir ayuda a los dioses, se enfrenta a innumerables peligros hasta que llega a Roma, donde se establece definitivamente. La Eneida de Virgilio cumple en primer lugar una función estética, debido a su métrica cuidada y lenguaje culto. Pero por otra parte tiene una función religiosa porque ensalza el valor de los dioses y la mitología romana. Además, tiene también una importante función política, dado que la obra fue un encargo del emperador Augusto, para elaborar en forma de poema la noble historia del pueblo romano.

Ovidio es también un destacado autor de poesía épica, pues escribió Las Metamorfosis, una serie de poemas épicos protagonizados por dioses en los que se producen transformaciones o metamorfosis a causa del amor pasional, siendo el relato de Apolo y Dafne el más célebre.

Por último, otro gran referente de poesía épica fue Lucano, quien compuso La Farsalia, en la que el estilo realista apenas deja lugar a elementos mitológicos o fantásticos.

LITERATURA LATINA: POESÍA LÍRICA Y ELEGÍACA


La poesía lírica es un género poético ampliamente cultivado por los romanos. Como ocurre con el teatro, la poesía lírica proviene de la Antigua Grecia. Allí, la poesía lírica hacía referencia a la poesía que se cantaba con un acompañamiento musical, el cual era generalmente una lira, de ahí el nombre. Posteriormente, cuando Roma adoptó la poesía lírica, no conservó su sentido tradicional, sino que lo adaptó y reinterpretó, demostrando una gran capacidad creativa y también originalidad. La poesía lírica se tornó más intimista y subjetiva.

Los primeros autores de poesía lírica formaron un movimiento primitivo llamado 'el Círculo de Lutacio Cátulo', que tenía un carácter muy conservador y tradicional. Más tarde, destacó una nueva generación de poetas, los llamados 'Poetae Novi'. De ellos, los más destacados fueron Catulo y Horacio.

El primero de ellos, Catulo, destacó por sus Poemas Amorosos, que son rompedores porque en ellos se trata por vez primera el tema del amor de forma apasionada e intimista. Catulo fue además uno de los primeros en introducir la métrica del 'dístico elegíaco', con composiciones cada vez más extensas.

El segundo, Horacio, era un excelente compositor de Odas, en las cuales trataba diversos temas pero siempre introducía en ellos moralejas y consejos. Destacan en este campo sus odas Aurea Mediocritas o Carpe Diem.

Un género aparte es la poesía elegíaca o elegía, de la cual hablamos a continuación. Primero es necesario indicar que la elegía, tal y como la entendemos hoy en día, no tenía nada que ver con la elegía romana. La elegía hoy es un canto fúnebre compuesto en honor por una persona que ha fallecido, con la intención de honrar su memoria. Sin embargo, en la Antigua Roma la elegía era un género poético de carácter autobiográfico e intimista. Destaca como autor de elegías el célebre Ovidio. Durante su juventud o primera etapa, Ovidio escribía poemas de tema amoroso y gran optimismo, como Ars Amandi. Ya en su vejez, se mostró más desengañado, y compuso poemas mucho más pesimistas, como Tristia, en los que reflejaba su estado de ánimo.

POESIA DE VICENT ANDRÉS ESTELLÉS


El poeta valencià Vicent Andrés Estellés va nàixer a Burjassot al 1924 i va morir al 1993, després d'haver-se convertit en un dels més reconeguts autors de les lletres valencianes del segle XX. Trobem la seua obra impregnada d'un estil molt proper al poble, que de vegades empra coloquialismes i que sembla molt familiar i senzill. Així, la seua poesia és generalment expressiva i popular. A més a més, tot i que Vicent Andrés Estellés comença a publicar a partir dels 70, la seua obra s'inclou al moviment reivindicatiu dels 60. Un dels millors exemples del caràcter social de la seua poesia és Asumiràs la veu d'un poble, on es reivindica la necessitat de parlar i mantindre el valencià.

Així, la majoria dels seus poemes tracten una temàtica molt variada que ens parla de la vida i de la mort, de l'amor, del sexe i de la por, i de temes quotidians del nostre dia a dia.
Destaquem de la seua obra el poemari Llibre de les Meravelles, que per una part és un conjunt de poemes dedicats als autors medievals valencians que ell més admira, com el conegut Ausiàs March; però per altra part és també una crítica i una paròdia als autors valencians de la Decadència com Teodor Llorente.

LA POESIA CATALANA DELS 70 FINS L'ACTUALITAT


La poesia valenciana i catalana ha experimentat una evolució interessant des dels anys 70 fins l'actualitat. Cal recordar que als 70 la poesia va començar a perdre el seu caràcter reivindicatiu i de lluita social que hi havia estat defés per autors com Vicent Andrés Estellés, Miquel Martí i Pol o Salvador Espriu anys enrere. Amb la fi de la dictadura i de la repressió lingüística la poesia dels 70 va abandonar definitivament aquesta corrent i començà a desenvolupar un estil més modern i subjectiu, intimista i simbolista. Aquesta nova corrent coneguda com 'simbolisme' té el seu referent principal a Carn Fresca, publicat als anys 70. Es defensa una nova mirada de la realitat més estètica i visual i no tant crítica. Cada autor pretén diferenciar-se de la resta, i per tant es preocupa per crear un espai personal i propi que pertany a un conjunt heterogeni. Els poemes d'aquesta època són cada vegada més complicats d'entendre i especialment intimistes.

Actualment, la poesia simbolista dels 80 i 90 ha evolucionat en aquesta direcció, arribant fins i tot a un extrem que coneguem com poesia 'postsimbolista', i que com el seu nom indica resulta encara més hermètica i personal.

POESIA CATALANA DE LA POSTGUERRA FINS ELS 70



La Guerra Civil (1936-1939) i després la dictadura franquista (1939-1975) van suposar la fi de la poesia en valencià. Franco va prohibir l'ús de la nostra llengua a l'àmbit públic, i també al cultural, de manera que la poesia valenciana hi va estar perseguida durant els anys següents. Aquesta autèntica represió lingüística va generar importans moviments de protesta que lamentablement sols tingueren un desenvolupament real a partir dels anys 60. Precisament a aquesta dècada és on trobem grans poetes valencians i catalans com Vicent Andrés Estellés, Salvador Espriu o Miquel Martí i Pol, que es preocupen per la defensa de la llengua, la identitat i la cultura del nostre poble. Un referent important serà Castellet, que va escriure Antologia Catalana del segle XX. La poesia de reivindicació social dels anys 60 també va tindre una repercusió especial al món de la música valenciana i catalana, perquè va supossar el sorgiment d'un grup de cantautors que musicaven molts poemes i que rep el nom de la Nova Cançó.

Als anys 70, quan va morir Franco i la repressió lingüística va arribar al seu fi, l'aperturisme a la democràcia va permetre als autors desentendre's de la poesia de reivindicació social. D'aquesta manera els nous autors començaren a desenvolupar una nova poesia més moderna, estètica, simbòlica i metafòrica. L'antologia Carn Fresca és un gran referent d'aquest moviment simbolista.
També als anys 70, aprofitant la fi de la repressió, hi hagué molts autors, com Vicent Andrés Estellés, que havien estat perseguts durant el franquisme i que a partir d'ara podien publicar lliurement i donar-se a conèixer.

LA PINTURA DE SANDRO BOTTICELLI EN EL RENACIMIENTO ITALIANO O QUATTROCENTO (s XV)

Nacimiento de Venus, de Botticelli


       Botticelli es uno de los más grandes pintores del Renacimiento, concretamente, del Quattrocento italiano. Su vida y obra se desarrolla esencialmente en la segunda mitad del siglo XV, en la ciudad de Florencia, considerada la cuna del Renacimiento. Cronológicamente, su obra se divide en dos etapas, ya que primero trabaja para la rica familia burguesa de los Médici, cultivándose en la filosofía neoplatónica. En cambio, tras el fin de la hegemonía de los Médici, el fraile dominico Savonarola toma el poder de Florencia y ataca duramente al paganismo. Influenciado entonces por el religioso, Botticelli inicia la segunda etapa de su obra abandonando la temática mitológica y centrándose únicamente en temas piadosos relacionados con la Vida de Cristo y de la Virgen María, así como de los santos.

De este modo, conviene destacar las principales diferencias entre estas dos etapas de su obra, que explicamos a continuación:

En sus primeras pinturas, Botticelli se nos muestra como un artista creador, que no está excesivamente preocupado por la profundidad ni por la perspectiva, como sí estaba Masaccio. Lo que parece importarle realmente a Botticelli es la búsqueda de la belleza formal, la belleza ideal. Es tal su intención de alcanzar la belleza ideal que no parece preocuparle la luz o la sombra, ni el acercamiento a la realidad.Y para el pintor, la belleza se define como “el dominio de la linea”. Él quiere conseguir lineas ondulantes, sinuosas y elegantes, que resulten en su conjunto equilibradas y que produzcan una sensación de proporción y belleza. (Véase el Nacimiento de Venus o la Alegoría de la Primavera)

Botticelli otorga un gran protagonismo a la figura humana. En sus composiciones crea ritmo al ordenar a las figuras por grupos o por parejas. Igualmente, logra la armonía cromática con el equilibrio de colores cálidos y fríos.

El tema de sus obras en esta primera etapa es generalmente mitológico. Su personaje favorito es la diosa griega del amor, Venus. Con frecuencia también introduce otros dioses, como Mercurio, alegorías, como la Primavera o el Viento y la Brisa; y de hecho, conocidos personajes mitológicos como son el dios alado Cupido o las Tres Gracias, que representan los dos extremos del amor y el equilibrio entre los mismos. Destaca la influencia de la filosofía neoplatónica: lo cierto es que, pese a tratar temas mitológicos e introducir algunos desnudos en estas pinturas, no podemos negar que hay de fondo, una cierta intención de transmitir un mensaje moralizante que nos acerca a la doctrina cristiana. Un claro ejemplo es la concha sobre la que se desplaza la diosa Venus en El nacimiento de Venus, que se ha relacionado con el instrumento empleado en el sacramento del bautismo cristiano.

Alegoría de la Primavera de Botticelli, detalle
Respecto a su segunda etapa, Botticelli parece abandonar la serenidad y la estabilidad por las que tanto se había caracterizado hasta el momento. Lo único que parece importarle ahora es transmitir una idea, que es, la muerte de Cristo y el llanto de la Virgen María. Esto lo observamos en una de sus obras más representativas de esta etapa: La Piedad. Influenciado por el dominico Savonarola, abandona para siempre la temática mitológica, realizando su última obra de estas características; La Alegoría de la Calumnia. En ella ya observamos un cierto desencanto hacia lo clásico. Tras los elementos arquitectónicos pintados en la obra, observamos un fondo de color azul, que está totalmente vacío. Ello nos indica el desencanto del pintor; tras el decorado clásico no hay nada, únicamente pecado. Lo único que importa ya es la religión.

También se esfuerza por mostrar un mayor sentimiento y respeto a lo religioso. La estabilidad, la serenidad y el equilibrio desaparecen casi por completo. En las escenas de la segunda etapa, lo que realmente se aprecia es un dramatismo desmesurado, un dolor, llanto y arrepentimiento que revela el sentimiento de culpa que tiene Botticelli. Ya no le preocupa la plasmación pictórica de la belleza, sino la transmisión de un mensaje religioso con fuerte contenido moral.


La Piedad de Botticelli


LA PINTURA DE MASACCIO EN EL QUATTROCENTO O RENACIMIENTO ITALIANO (s XV)



    Masaccio es uno de los más reconocidos pintores del Quattrocento italiano, y concretamente de la primera mitad del siglo XVI. Apenas vivió veintisiete años, pero por su obra es el primer impulsor de la pintura renacentista. Desarrolla su actividad pictórica en Florencia, la ciudad que se considera la cuna del Renacimiento. Allí es donde recibe influencias directas de Giotto, a la vez que decide alejarse del estilo gótico y proyectar un estilo nuevo de inspiración en el arte clásico.

Masaccio es pues un pintor preocupado por la forma en que transmite la sensación de profundidad. Pretende hacerlo con realismo, y por ello, en sus paisajes rurales se observa muchas veces la perspectiva aérea, que presenta tonos azulados y fríos en el horizonte, coincidiendo con los planos más alejados. En el horizonte, los contornos se difuminan y el color pierde su intensidad. Incorpora elementos de la naturaleza como son las montañas voluminosas o los cielos nubosos. Asimismo, en los ambientes urbanos encontramos la perspectiva lineal, y por tanto la convergencia de lineas rectas en un mismo punto de fuga. Con frecuencia el punto de fuga guarda una importancia especial; por ejemplo, en La Trinidad, el punto de fuga es la cima del monte Gólgota, donde Cristo fue crucificado. Además, en sus pinturas refleja la arquitectura de la época, pintando los elementos arquitectónicos de una forma muy convincente. Esto se denomina arquitectura fingida. Se pueden observar, en el caso de La Trinidad, pilastras con arquitrabe, friso y cornisa y también una bóveda de cañón con casetones, lo cual es muy propio de la arquitectura renacentista, y en especial, de la arquitectura de Brunelleschi.

Como herencia de Giotto, a veces emplea personajes de espaldas para dar una mayor sensación de profundidad. Además, a todos suele representarlos con bastante volumen. También emplea el recurso de situar en el primer plano la mayoría de colores cálidos, y dejar en el fondo los colores fríos. Alterna también los colores con sentido del ritmo, y les da diferentes tonalidades para realzar los claros y las sombras. Con frecuencia también intenta crear ritmo cromático, y esto lo vemos, en el caso de La Trinidad, cuando combina los colores fríos con los cálidos de los personajes que aparecen llorando ante Cristo crucificado. En ese caso, Dios está en el eje central de simetría, por lo que en él se combina tanto el rojo como el azul, simbolizando unión.

En otra de sus principales obras, el Tributo de la Moneda, aparecen representadas varias escenas en una misma pintura. Además, en esta obra se consigue algo que nunca antes se había logrado; la isocefalia. Masaccio consigue situar a todos los apóstoles que aparecen junto a Cristo a la misma altura. Aunque sus cabezas forman una hilera horizontal, la profundidad se logra de una forma bastante acertada porque el pintor se preocupa por dejar espacios con luz entre las cabezas de las figuras. Otro rasgo es que al igual que Giotto, también Masaccio logra reflejar los estados de ánimo de sus figuras. Pinta rostros desencajados por el dolor (La expulsión de Adán y Eva), que nos recuerdan la expresión de dramatismo del Laoconte, o también la teatralidad del griego Scopas. Refleja el patetismo, la angustia, el llanto... Pero a diferencia de Giotto, Masaccio consigue diferenciar los rostros de sus personajes los unos de los otros, individualizándolos con detalles.

Por otra parte, en todas sus obras las figuras parecen moverse con lentitud, a medio camino entre el estatismo y el movimiento. Adoptan posiciones solemnes, por eso se dice que Masaccio pinta el movimiento contenido, pues todas sus figuras parecen estatuas. Así, cuando en ocasiones alguna figura hace algún gesto rápido, el detalle nos llama la atención. Un ejemplo es la figura de la Virgen que aparece en La Trinidad, pues mientras el resto de personajes rezan o se lamentan, ella mira con rostro serio directamente al espectador, lo introduce en la obra y señala con un rápido movimiento de mano a su hijo crucificado. Además, en la pintura de Masaccio, a diferencia de su predecesor Giotto, los ropajes y las telas caen de forma natural, formando pliegues con gran realismo.

Sus obras principales son los frescos de La Trinidad y las pinturas murales de la Vida de San Pedro, destacando El Tributo de la Moneda. El tema es religioso con intención moralizante.

5/5/12

BOOM Y POSBOOM EN LA LITERATURA LATINOAMERICANA




A mediados del siglo XX se viven en Latinoamérica una trascendental serie de cambios sociales y políticos, tales como revoluciones, golpes de estado y dictaduras. Ello genera un impacto en la sociedad, que deriva en transformaciones ideológicas. Estos cambios se traducen a su vez en el ámbito cultura, y sobre todo en el literario. Existe un deseo creciente de acercarse a lo urbano y a lo cosmopolita, y a la modernidad. Este movimiento se conoce como el boom latinoamericano, y alcanza su máximo desarrollo en los años 60.


Posteriormente, algunos autores empiezan a replantearse la naturaleza verdadera del boom. Lo cuestionan y se distancian poco a poco de él, con el objetivo de abrir una nueva vía de expresión. Algunos de ellos, como Skármeta, consideran al boom un movimiento carente de sentido porque observan en él una carencia de compromiso social y político. Tampoco encuentran en el boom referencias a la variada y rica tradición cultural latinoamericana. Todo ello es lo que justifica la necesidad de un cambio. Este cambio se producirá en la literatura de los años 70, y se conoce como el posboom latinoamericano.


Ahora bien; ¿cuáles son los grandes rasgos que caracterizan a cada uno de estos movimientos literarios? ¿Y en qué aspectos difieren?


Gabriel García Márquez
En primer lugar, la temática de la narrativa del boom abraza siempre lo trascendental. Ama lo intelectual. En cambio, el posboom rehuye la pedantería y la pomposidad enciclopédica para centrarse en lo realmente auténtico. El posboom valora los aspectos más sencillos y cercanos de la naturaleza del ser humano, y por ende, la esencia de la cultura latinoamericana.


Así pues, la desmesurada trascendentalidad del boom requiere una sintaxis acorde a tal fin. Resulta por tanto muy elaborada y de difícil comprensión para una mayoría. Sólo un público reducido y docto es capaz de entender la literatura del boom, dada la dificultad de comprensión que entraña su sintaxis. El posboom sin embargo, no se dirige a un público de élite. Su lenguaje se hace más sencillo y coloquial. Incluso se incorporan coloquialismos y términos propios de Latinoamérica, ya que se pretende regresar a lo familiar y cotidiano. Así pues, el público al que se dirige el posboom es bastante más amplio y variado que en el boom.


Además, otro rasgo claramente diferenciador es que la narrativa del boom no se interesa por la realidad socio-política de la época. Esta carencia de compromiso y rebeldía se suple en el posboom, que se interesa mucho más por las injusticias sociales y los cambios políticos.


Por otra parte, la personalidad de los protagonistas en la novela del boom es siempre compleja y difícil de entender. Se trata de personajes confusos y muy contradictorios. En el posboom, los personajes se pueden etiquetar fácilmente. Tienen una personalidad definida, y además, evolucionan psicológicamente al igual que la sociedad en la que viven.



Isabel Allende

Centrándonos en el espacio, en el boom los escenarios son urbanos. Se admira lo moderno, lo cosmopolita. En cambio, en el posboom predominan espacios abiertos en la naturaleza, rurales. Generalmente, este paisaje se corresponde con el paisaje típico latinoamericano.


En cuanto al amor, en el boom supone esto una causa de desdicha y frustración, mientras que el posboom el amor parece ser un motor que impulsa a los protagonistas a vivir, a no cansarse nunca de luchar. Se trata de una visión mucho más positiva que refuerza el sentido más positivo y alegre del amor.


De las diferencias anteriormente comentadas, podemos deducir que la narrativa del boom es pesimista y existencialista. Esto choca con el humor y el positivismo de los autores del posboom.


Podemos concluir afirmando que la literatura latinoamericana actual se ha visto claramente influenciada por estos dos movimientos literarios, que recogen los dos momentos clave de la narrativa latinoamericana del siglo XX.

19/3/12

EUFEMISMOS


Es un hecho fehaciente y claramente perceptible, que en nuestra sociedad actual existen cada vez más eufemismos cuya intención principal es la de modificar los tabúes más antiguos, arraigados y malsonantes de nuestro vocabulario. Así por ejemplo, a los afectados por síndrome de Down se les llama ahora disminuidos mentales, mientras que los ciegos se convierten en invidentes. Como estos dos ejemplos, es larga la lista de eufemismos y términos cercanos a lo políticamente correcto que han surgido en los últimos años y se han incorporado ya a nuestro uso cotidiano.


Antiguamente, sin embargo, no existía ningún tipo de conciencia social que se pudiese comparar al lenguaje extremadamente eufemista que utilizamos hoy en día, cada vez más trivial e innecesario. Entonces lo habitual era utilizar términos como “negro”, “subnormal” o “viejo”, en la mayoría de los casos sin ánimo de ofender. Sólo unas décadas después, la sociedad ha evolucionado, y con ello se ha generado un importante cambio lingüístico que ha otorgado a estas palabras un valor despectivo del cual antes carecían, transformándolas por tanto en tabúes casi imperdonables. En insultos.


La situación actual ha llegado tan lejos que casi me atrevería a calificarla como una “psicosis lingüística de carácter colectivo”. Lejos de exagerar o tergiversar esta realidad, lo cierto es que cuando un amigo o familiar nos describe a otra persona utilizando adjetivos como “inútil” o “gordo”, no podemos evitar recriminarle su falta de tacto. En la mayoría de los casos, interpretamos estos términos como palabras malsonantes, o insultos en los peores casos.


Sin embargo, quizá deberíamos considerar algo importante, que solemos pasar por alto con demasiada frecuencia: que las palabras, son sólo palabras. La verdad es que somos las personas quienes, con el paso del tiempo, nos apropiamos de ellas, mancillamos su significado original y les obligamos a cargar con ciertas connotaciones negativas que las condenan para siempre al olvido, en los rincones más recónditos y alejados de nuestro propio vocabulario.

THE FUTURE FOR YOUNG PEOPLE IN SPAIN




Nowadays we're living in hard economic times, but especially for young people who are looking for a job in Spain. There are lots of qualified people in our country, but there aren't enoungh opportunities for all of us, because in last years there were lots of immigrants who came to work. Also, the economic environment is not easy. Because of that, lots of young people are now worried about their future.



I think that future is not the best that we could imagine. But I have a question; really is it so bad? I'm sure there are still concealed opportunities that we haven't discovered yet. If we were a bit more optimistic, we wouldn't stop looking for new ideas and new solutions. We should rise the top.


By the moment, we need to work as much as we can. We need to study so we can build a better future, not only for ourselves but also for our own children

PROPIEDAD INTELECTUAL



Cada cierto tiempo salen a la luz nuevos escándalos relacionados con la violación del derecho a la propiedad intelectual. Considerando al auge de las nuevas tecnologías y su rápida evolución, me atrevo a afirmar que estos casos de plagio serán acontecidos en tiempos venideros.

Personalmente considero que es necesario reflexionar de forma detenida acerca de este problema. Es necesario hallar pronto una solución que ponga fin a la falsificación sistemática de la cultura. Se debe recuperar el valor de lo auténtico, del trabajo individual y del respeto a la obra del prójimo.

Si esta reflexión no se lleva a cabo, o aun realizándose, no resulta lo suficientemente efectiva, difícilmente nos acercaremos a la solución. Me refiero por ejemplo, a la polémica recientemente desatada tras la aplicación en Estados Unidos de la Ley SOPA (Stop Online Piracy Act). Como todos sabemos, la controversia ha alcanzado tal magnitud que poco después del cierre de la todopoderosa Megaupload, los ataques informáticos contra organismos públicos norteamericanos no se han hecho esperar.

Considero que este tipo de reacciones, calificadas incorrectamente con el término de “protestas”, deberían ser llamadas como lo que son en realidad: La ciberdelincuencia organizada de grupúsculos delictivos que han actuado en los últimos años gozando de total impunidad. Pretenden ahora transformar ese inmerecido privilegio en una bandera de justicia social que sin embargo presenta una dudosa legitimidad.

¿Acaso es justo que el pensamiento de una persona quede desprotegido ante la voluntad de la masa? ¿Es aceptable que la obra intelectual de una persona sea despojada de su firma y manoseada por esos grupos sociales a los que me he referido? ¿Es que un creador no tiene derecho, ya no a cobrar una cantidad por el resultado de su esfuerzo, sino a verlo al menos protegido por la Ley?

En mi humilde opinión, estamos ante una cuestión que todos deberíamos plantearnos. Sería buena idea reflexionar sobre ella. Y obrar en consecuencia con lo que es justo.


BE MY BABY - THE RONETTES



The night we met
I knew I needed you so
And if I ever had the chance
I'd never let you go
So won't you say you love me
I'll make you so proud of me
We'll make 'em turn their heads
Every place we go
So won't you please

(chorus)
Be my, be my baby
Be my little baby
My one and only baby
Say you'll be my darling
Be my, be my baby
Be my baby now
My one and only baby

I'll make you happy, baby
just wait and see
For every kiss you give me
I'll give you three
Oh, since the day I saw you
I have been waiting for you
You know I will adore you
Till eternity so won't you please



(letra subida de www.coveralia.com) 

BEAUTIFULNESS?


Nowadays we live in a world that looks for beautifulness. We can't understand that there is ugly, especially since plastic surgery was developed a few years ago. At this momment, people who can afford it, and want to rejuvenate, ask for plastic surgery. They turn to medicine.


But, what is beautifulness? Who is able to give an appopiate meaning to this word? I'm sure you don't have the same idea about beautifulness as me. For me, it could be a pretty woman. For you, it could be a wonderful place. And for another one, it could be a song. That's because we don't think always the same way, do we? If anybody is capable of giving a definition about beautilfulness, why are we so cruel with different people? Maybe they have physsical defects, but the truth is that all of us have our own defects. There aren't ugly or beautiful people.

In my opinion, if someone is beautiful or ugly, it isn't important to me. I don't care about it, and I think it shouldn't be important for anybody who wants to live in a better world.